孟禄丁：自然流露出来的才是最好的

　　采访时间：4月24日

　　采访地点：孟禄丁住所

　　提及孟禄丁的抽象大家通常会想到他的《元速》系列，其实早在1987年，他就开始了抽象绘画的探索。他是中央美术学院油画系四画室的第一届学生，他和张群创作的《在新时代——亚当夏娃的启示》被誉为’85美术新潮运动的开端，在短短的两年内，他的画风从超现实、表现，发展为抽象，并一直延续至今。

　　您在1985年创作了具有超现实主义风格的《在新时代——亚当夏娃的启示》，影响很大，后来怎么就画抽象了？

　　当时我还在中央美术学院油画系上二年级，是为了参加“前进中的中国青年美展”，也没想那么多，但是后来影响很大，这种影响当时主要是来自媒体，因为这张画争议很大，不让参展。

　　我当时是在油画系二画室，三年级的时候四画室成立，我就转了过去，四画室的教学主张倾向于研究西方现代主义艺术，当时比较典型的就是抽象和表现。我们班一共七八个人，有五个都是附中考上来的，基本功都很扎实，到了美院还是重复那些石膏和人体，又画了两年，基本上都没什么兴趣，很麻木了。转到四画室以后，至少自己觉得解放了，可以画自己的东西。对我来说，到四画室其实是一个节点，从原来被动的跟着传统教学走，到自己主动去研究西方现代主义绘画。我们的教学氛围比较自由、宽松，我的画风很快就改变了，完全变成研究点线面、绘画语言本身的创作，不论是写生还是创作，都趋向于表现，我的毕业创作“足球”系列也是这种风格。1987年毕业留校任教，那个时候的画风就变得抽象了，其实表现再往前走就是抽象，这也是一个自然演进的过程。

　　四画室的同学都是一起从二画室转过来的吗？

　　一起转的。一方面二画室的老师在艺术主张上有些分歧；另一方面上世纪80年代美院之外的艺术界也在改变，四画室的成立可以说是学院对社会变革的一种呼应。当时四画室的主任是林岗，副主任是葛鹏仁，油画系主任闻立鹏，也在四画室任教。

　　这种改革也算是行动得比较早。

　　对，这种变动是一种互动关系，80年代是一个启蒙的年代，不管是政治环境，还是文化艺术环境都发生了变化，美院的小环境也应当与之呼应。当然也有客观因素，我们这些附中学生都画得特别痛苦，已经没什么感觉了，一些老先生也认为这种教学不能在持续下去了，应当有所改变。

　　美院里面有没有一些不同的声音。

　　我当时是学生，不清楚画室成立的具体情况。我当老师以后可以感觉到不同的声音还是相当大的，以前的教学基本上是苏派的教学方式，比较规范，我们等于重新探索一种教学，所以说阻力和意见肯定很大，我1987年带第一个班，教学检查的时候很多老先生是不满意的，我们对着模特画得不像模特，可以凭着自己的想法去发挥，找到个人的语言，很多老先生认为这背离了美院的传统，是资产阶级自由化的东西，阻力还是很大的。

　　对一个新的画室来说，教学上有没有可以借鉴的范本，比如在课程设置方面？

　　教学大纲是有的，但那只是个纲，具体的教学方式还真没有。我们那两年主要是林岗和葛鹏仁带，实际上也是在摸索，他们都是从苏派这一套体系中过来的。当时对我们的要求就是大胆地画，尊重每个学生的个人体验和感觉。

　　留校以后我也没有特别具体教学方法，我当时很年轻，我画的东西还是比较接近现代主义的，可以说是有感觉的，但是如何把感觉转化成理论，再传递给学生，是需要一点点积累的。实践证明我做的还行，我带的学生都还不错。

　　我当时在教学同时也参加社会上的艺术活动，’85新潮时期那些主要的展览和活动我都有参与，跟那些艺术家们也都是朋友，平时交流很多，其实也是边做、边想、边弄。’85后期我之所以选择出国，有政治因素，另外也跟自己教学有关，觉得需要到外面去看一看。

　　在教学上有没有关注西方艺术理论这一块？

　　其实我在附中的时候就很关注，当时可能很多东西未必看得懂，但是我觉得对艺术理论的学习是必须的，要探索一种新的东西，理论支持是前提，在迷茫的时候，只有理论能给你指出方向。

　　我的教学其实就是跟学生的平等交流，我当时的年龄跟学生差不多，有的学生比我还大，我们之间的交流是随时随地的，课堂上、喝酒聊天时都可以。而且我们在招生的时候也非常关注他们是否重视理论的思考，我不想招那种只会画素描的学生。

　　您最初抽象绘画是《元态》这一系列吗？

　　《元态》系列是我当老师以后的作品，1988年美术馆举办了“人体艺术大展”，当时也是很轰动，因为有人体，毕竟从70年代封闭的状态走过来，大家还是比较敏感，排队一直排到美术馆的小花园，门票天天涨。

　　那个展览参展的主要是油画系的中青年教师，我当时不想命题创作，这个展览的组织者是葛鹏仁，他就让我按照自己的想法画。我认为与人体相关的艺术是情色和生命的结合，就想通过艺术语言让观众感受到这样的结合和体验，主要还是语言的探索，我当时画抽象已经一年多了，我个人比较喜欢那部分作品，相对比较成熟。

　　“85美术新潮”时期大家都在关注社会性的东西，但是我跟他们的路线不一样，我关注的是个体，我的作品是我当时状态特别直观的反应，我很喜欢，比如“元态”，但是并没有得到什么回应，这让我挺失望的，也是我后来出国的原因之一，做抽象艺术太难了。

　　’85新潮对您的创作有什么影响吗？

　　因为我1985年画了《在新时代——亚当夏娃的启示》，所以我很自然就和新潮的那些艺术家互相来往，但是这些人的观点并没有影响我，主要是我从附中到美院这样一个系统一路走来，一直都很独立，我的生活背景、艺术背景跟他们很不一样。但是当时的氛围其实有感染到我，触发了很多想法。

　　当时画抽象的人多吗？

　　我觉得不少，比如社会上的无名画会的一些画家，包括星星美展的有些东西，虽然不是纯粹的抽象，但是他们的作品里已经出现了抽象的语言。只是当时大家都比较关注学院，不关注在野的艺术家。现在回过头去看，其实很多人在做抽象，只是学院的比较少，我们四画室算是最早作为教学上的实践。

　　其实“89艺术大展”上也有不少抽象作品，大家可能没什么印象。

　　抽象艺术作品被放在三楼，从布展来看抽象就被放在边缘的位置，从策展人的角度来说，他更倾向于刺激的东西，因为在中国谁的口号喊得最响，谁就受人关注，这也是’85时期的问题所在，有一种盲动和功利的成分，在艺术上很深入探究的东西、语言上不合众的东西肯定是被忽视的。那么抽象艺术本身是思想的结果，在中国大家没有闲心去认真研究，所以很容易被忽视，包括现在也是这样。

　　当时出国，为什么选择的是德国？

　　我做事都是凭感觉，我在美院的时候认识很多德国人，因为他们对我的画特别感兴趣，有在京的记者、老板、画廊的、使馆的，当时因为“六四”，听说中国美术馆也接到通知，不准展抽象类的资产阶级自由化作品，我急于出去，正好是德国使馆有个朋友帮我，另外我很喜欢德国表现主义，很有力量，很纯粹，我想去学习。主要是这两个原因，一个是客观的原因，一个是艺术的原因。不过我在德国就待了半年就去了美国。

　　美国当时抽象艺术的热度已经过去了吧？

　　其实美国很包容，并不像我们想象的那样，什么东西不主导就消失了，但是抽象表现主义是美国文化的一面旗帜，拿来去打败欧洲艺术的，所以博物馆和画廊里都可以看到。

　　那对您的创作也有很大的影响。

　　那肯定的，其实我觉得比去博物馆更重要的是要了解当地人的生活，这种文化生成的背景是实实在在的，艺术是在这种文化的土壤里产生的，要去了解这里生活的各个阶层的想法，制度的不同，生活理念的差异，这些对你的艺术都特别重要。如果不了解这些作品产生的过程，你看到只是一个结果，就不能充分了解这个东西。

　　就像我们在欣赏抽象绘画的时候，也应该去体会创作的过程，而不是仅仅画面。

　　1988年我在《中国美术报》上发表过一篇文章叫《荒诞、体验》，我当时就觉得重要的不是结果，而是过程，这是我一直在强调的，因为只有在过程中才能捕捉到很多新鲜的、有生命力的东西，一旦要设定一个结果，往往是不真实的，只有在偶发中才可能找到新的创作方式或者语言，再把它提纯、衍生。

　　过程不仅仅是对艺术，对生活、对一切都很重要。现在的人都太注重结果所以活的很纠结，如果注重过程，人会活的很自我很真实，会体验很多更细腻、更深入的东西。

　　在国外这么多年，对您的影响主要体现在哪些方面？

　　最主要的是眼界开阔了，很多东西都想通了。在国内因为身在其中，很多问题是看不清楚的。

　　当局者迷，2006年为什么又回到了国内？

　　一个是在外边待的时间太久了，另外2006年的时候国内的情况要好了很多。我从1993年开始，每年都回来住两三个月，其实我知道2006年之前很多艺术家生活得很艰难，他们连基本的生活都保证不了，还不如80年代当学生那会儿快活儿，所以像希克可以很便宜买到他们的画。回国还有个人的原因，老朋友都在国内，他们也希望我回来，这儿可能更适合自己活着。

　　《元速》系列是回国之后开始的吗？

　　对，我之前在美国画的都是跟圆相关，很简单的东西，那个时候中国的画都很复杂和明确，有太多的符号、政治的指向，我希望跟他们拉开距离。创作《元速》的时候，我就是想画更大的圆，我就做了个机器，这样可以一笔画完。帮我做机器的师傅告诉我其实这个东西可以自己转，我觉得挺好，就问他能不能快速转，他说没问题，可以达到车速，我想应该挺棒的，机器做好之后就开始了这一系列，挺偶然的。

　　最初您设想的是自己来控制这个机器？

　　是的，后来师傅说可以自己转，做出来之后我就找到了《元速》这一系列的创作方式。机器高速运转将色点甩出去产生的视觉张力是人工做不到的，我一直想找这样一种感觉，不一定要用手画，用手就会受到个人感觉的控制，包括构图、疏密等，人为的因素太重，我希望把这种因素完全去掉。这一系列的创作想给艺术提供了一种新的思考角度，艺术也可以这样做。

　　在创作之前会对最终的画面有个预设吗？

　　只是有个大概，但是不会刻意去设计，因为我从来不设计。我在附中的时候，创作就讨厌画小稿，我认为预设的东西是已知结果的，你就不会享受过程，只有通过过程你才能享受那种精彩，体会新发现的快感。

　　目前还是在继续《元速》系列的创作？

　　现在还在做，我最近做了一些墨的，用丙烯稀释剂加上墨和其他的国画材料，墨是透明的，质感不一样，我觉得效果还不错，这段时间想把这个东西再做一做，做得差不多了我可能就要画别的新东西了。

　　还是在油画布上？

　　墨的东西还是在布上。

　　根据您这么多年的探索，您认为中国的抽象绘画的发展方向是怎样的？

　　作为艺术家来说，首先要回到个人，不要考虑西方的、中国的这样的区别，艺术家首先是一个人，尤其是全球化的时代。我觉得艺术是跟生活相关的，你在中国，就不要担心创作中没有中国的东西，越是刻意的去设定自己，或者说让别人知道你身份，其实是不真实的，自然流露出来的才是最好的。