李文培：中国戏画的传承者

　　在中国的传统文化传承中，京剧和水墨是两种重要的艺术形式，浓缩著历史与文化，承载着我国民族文化精粹的薪火，同时也是我们雄立于世界艺术之林的精神内核。在传统文化逐渐失语的今天，当代艺术家如何将中国文化的精神得以传承、延续并且创新，成为目前当代水墨艺术家急需解决的问题。当代艺术家李文培先生，以水墨画中国戏曲的人物，将两种艺术形式结合，兼顾了两大门类，并将其有机的结合起来，形成了自己的独特艺术形式，在追求形神兼备的同时，用没骨的写意手法描绘戏中人物，简练而又惟妙惟肖地把戏剧人物表现得淋漓尽致，让传统内涵籍于现代美感之中，并把“瞬间”的美使其定格，完成永恒美的再造。因此李文培被誉为继第一代沈荣圃、第二代叶浅予、蒋兆和之后的中国第三代戏曲人物书家。对于绘画所取得的成就，李文培曾经接受采访说：“一是得益于扎实的绘画基本功；二是在中国京剧院工作四十余年的生活经历；第三是人生体会和感悟落实在画面上。”

　　1958至1964年，李文培于中央戏剧学院美术系学习。在他就学期间，正是中国学习氛围最好的时候，当时那些留学苏联的老师也已回国执教，他授业于著名油画家冯法祀先生、著名国画家郭传璋先生等大家，再加上自身的艺术灵气和后天勤奋，为其打下了坚实的绘画基础。

　　学院派的背景，扎实的绘画功力，造就了李文培在绘画造型方面的能力。他的水墨功夫是全方位的：枯涩顿挫，笔墨洒脱且大胆；旷达处大刀阔斧，精微处落笔千钧，集中体现了中国水墨艺术的气韵生动与传神，同时也体现出戏剧本身所独有的韵味与腔调。中央美术学院资深教授戴泽先生曾经在一次画评中说道：“这一幅戏曲人物长卷展现在我们面前，让我们感受着的已不仅仅是戏曲文化的魅力。我认为这是一个民族的一种内在之神，文培以绘画的手段抓住了这个神，以他的方式传承咱们的民族文化。”

　　李文培1964年从中央戏剧学院舞台美术系毕业，同年进入中国京剧院工作。他为《红灯记》、《红色娘子军》、《红灯照》、《望江亭》、《王昭君》等40余部京剧进行舞台美术设计。在默默奉献和耕耘的同时，李文培也得益于舞台美术设计的经历所给艺术家带来的综合艺术修养。画戏剧人物成为他的动力和一生的快乐。李文培的成功来源于对艺术的不断探索，挖掘戏曲人物的内涵，开拓戏曲人物的表现形式。

　　在中国京剧院的生活经历让李文培对京剧有着浓厚的感情和深入的理解，使得他对戏曲人物掌握精准、刻画时收放自如，也使他获得旁人无法仿效的艺术敏锐性和准确性。几十年里，李文培在戏曲人物画上进行了很深的探索，在画传统京剧人物时充分融入的自己个性元素和时代气息。作画可以说是李文培对戏曲深刻的理解与对这种艺术形式热爱的释放，他想把优秀的传统文化通过绘画的方式保存下来，并且向世界传播中国的国粹。

　　悟性是提升作品格调的必由之路。李文培善于学习，并研究先辈们花鸟、山水、人物的情理、技法，他把各种绘画中矛盾因素变成了有意味的绘画形式。李文培认为：“形神兼备意在笔先，要把人物的面部与动态作为描绘的重点，从而揭示人物的气质。对画面的大布局要准确把握，对富有代表性的特征需深入描绘，尽水墨之神韵。人物画须做到黑与白、粗与细、画与非画的结合，形成强烈反差，使视象具有冲击力。京剧是国粹，要用国粹的标准画戏剧人物。处理好连与断的关系；墨与色的融合；形与神的突破；师古而不泥古。”在李文培的水墨戏剧人物中，我们可以看到传统六法的精要，以及对传统人物绘画题材的创新。将戏剧人物本身所运载的腔调与文化韵味转化为一种特有的水墨语言，在形式上将两种艺术形式中的笔意与曲意统一在水墨之中。

　　作品有没有创造力，全在艺术创作者是否能有新鲜的感觉，以及表达这种感觉的才能。在艺术自律的形而上信念日趋式微，民族文化的未来利益又往往屈从于现实需求和即时效应的当下，做一个水墨画家要比做一个“实验艺术家”困难得多。前者非但要承受不移不屈、安贫乐道和耐得寂寞的考验，而且必须在拒绝社会化的孤高寡合状态中剔除信而好古的迂腐气，通过跨越古人已有的成就而成就自我。

　　年届七旬的李文培仍勤奋笔耕，天天沿袭着绘画的习惯。在他看来，弘扬中国文化的重点应该是京剧，京剧是国粹，因为京剧里的人物都有着非常深厚的人文底蕴。而中国绘画则有几千年历史，水墨戏画包含了中国传统艺术的精髓。让两者结合起来，创作更好更有时代感的作品，传承我们民族优秀的文化，并力图把戏曲人物的创作推向新的境界，是历史赋予我们这一代人的新的课题。

　　据悉，宣纸上的国粹——李文培水墨京剧人物画展于2014年7月19日(星期六)上午十点在国艺美术馆盛大开幕，展览时间从7月17日一直延续到7月22日，国艺美术馆具体地址在北京东城区北京站东街八号信通大厦一楼(北京火车站东200米)，有兴趣的朋友可前往参观。