康定斯基艺术的音乐性

　　张 健

　　1910年康定斯基创作了第一幅抽象水彩画。这也是现代绘画史上的第一幅抽象绘画。画面上，所有的对物象的描绘性因素都不见了，大小不同跳跃的点，不同方向和力度的运动的线，粗野、激荡。色彩和线条、形状相互穿插，让我们感受到一种内在的力量从画面中涌现出来。同年，康定斯基完成了他的关于抽象绘画的重要论著《论艺术的精神》，开启了抽象绘画的序幕，明确了他的创作原则：内在需要原则。　　这个“内在需要”原则，在康定斯基的理解中，与音乐在本质上有极大的相似性。音乐和绘画一样都是康定斯基认为可以表达和宣泄感情的最佳工具，正因为如此，他认为这两种方式是相通的，或者说在一定程度上他们是可以相互表示的。康定斯基不但在《论艺术的精神》中，大量用音乐来作为论证艺术中普遍存在的抽象性，更在他的艺术实践中把音乐与绘画糅合在一起。康定斯基将抽象绘画中的色彩运用类比音乐中的音符，在他看来， 色彩同样具有音响和旋律效果，甚至具有交响乐般的震撼力量。用色彩来展现音乐中的心灵震荡的效果，并直接到达精神深处，是那些只将眼光盯着客观世界的艺术家们所不具备的能力。这是一种直接倾听和再现“内在声音”的能力。

　　我们从这个角度出发，回过头来重读他的那幅抽象水彩画。在此作品中，康定斯基所能运用并付诸表达的，还只是音乐中的单声部音乐，即没有伴奏。节奏是散文式的自由节奏，没有固定的节拍，是一种配乐朗诵，每一个音节时而与一个音符相合，时而又与一组音符相合。在画面中，黑色、红色、蓝色、绿色、黄色，像高低不同的音符——况且颜色的运用有冷暖浓淡，线条有粗细刚柔，形成一种比七音符更丰富的音——用一种随意的节奏组合而成。红色作为中偏高的音色，在画面中较为活跃，是控制画面的主调，它顺畅连续，时而发出较为沉重的音，时而蜿蜒迂回，颤抖不止。红色包围穿插引导着其他颜色，从而使整个画面结成一个较为完整的整体。康定斯基之后又创作了《构图第二号》。画面的空间排列着颤动的、急促运动的色块，主题故事被掩埋在抽象的图案之中，作品以丰富的色彩唤起了精神性的感受。此时，康定斯基开始用从音乐那里得来的加标题的方法来表达意图，即“构图”、“即兴”、“抒情”等等。

　　对康定斯基影响较大的音乐家是德国的瓦格纳。对瓦格纳来讲，情节、人物等外在因素被压缩到最低限度，音乐作为感情的直接表达，使人们的心灵与之相通。在瓦格纳的全部作品中，《特里斯坦》最符合他的艺术观。这部作品的音乐属于那种人们无法评价的音乐，它把人完全抓住了，一直渗入人的心灵深处。这也正是康定斯基所需要的。

　　康定斯基强调了绘画和音乐之间的联系。他认为，虽然音乐(声音)必须在时间中产生，绘画(色彩)必须建立在平面之上，但是这两者之间的共性(即抽象性)依然存在。例如心理学的实验表明：当一个受测验者随着乐曲的弹奏，它能够准确地根据声音来选择放在他面前的各种与之相对应的颜色。比如当弹奏高音区时，他往往选择明亮而温暖的色阶(如黄和红)；当弹奏低音区时，他则选择深暗和寒冷的色阶(如蓝或紫)。这就是心理学的“联感”理论所指的，从一种感觉反映到另一种感觉反映的直接转移。由于人们内心中存在着这种“音乐——绘画”之间的联感，所以，康定斯基认为绘画也应当像音乐一样，不是通过事物的表象，而是以各种基本的色彩，通过形式的规定，来反映和表现人们的内在感情(精神)。“在这里，色彩直接影响了心灵。色彩犹如键盘，眼睛好似音锤，心灵仿佛绷满着弦的琴，艺术家就是弹琴的手，他有意识地按动着各个琴键，以激起心灵的有目的的震动”。康定斯基经历了几个探索的阶段，逐渐从表现的和即兴的，向构成和几何化、具有清晰构图的自由风格发展，但康定斯基的绘画依然保持着剧烈的节奏感，保持抽象形式的继续不断的冲突活动。

　　1926年，康定斯基发表了他的第二部重要论文《点、线、面》，作为《论艺术的精神》的有机延续。在《点、线、面》中，康定斯基想给艺术作品的要素和他们之间的关系，下一个比较绝对的定义。这种关系，是指一个要素对另一个要素，以及对整体的关系。论文一开篇就提出艺术的基本要素问题，即缺少它时，该艺术固有的作品一般无法成立的要素：也就是点线面。经过抽象处理或点线面这些本来就是抽象的形式，本身并无多大意义，就像现实主义绘画中的对象本身或其外表一样，重要的是它们的内在共鸣和生命。

　　康定斯基在《点、线、面》中对绘画的各个要素都作了详细的论述。我们在此作一个简单的描述，说明这些绘画要素和音乐要素之间的对应关系。

　　点，具有最简洁的外在形态，而内在地理解时，又体现为向心的紧张性。点在纯粹的绘画中的内涵是无限之大的。从点的外在性和内在因素的多容性来看，纯粹的点就能够构成一幅作品：当一个点被置于平面的中心，或非中心的构成，或者在平面上逐渐增多点的构成，但产生出来的效果却不同，这取决于不同的需要。音乐上的点的作用不管是用来定音还是用来伴奏，都是必不可少的。所有的单音都是单个的点，它的非连续并置即构成曲子(或旋律)。

　　线是由点在连续并置或运动而产生的，它体现了内在活动的性质及方向。线在康定斯基作品中的意义，以及它带来的音乐效果同点一样是积极的。线的波动、线的粗细变化体现了一定的音乐意义，线的多重复合又产生更加复杂的音乐意义。与此对应，音乐又具有线的性质，各种乐器固有的音的高度，可以用线的宽度来表示，小提琴、长笛、短笛等发出的音形成极细的线条。中提琴、单簧管则发出略粗的线条。再者，低音乐器中那幅度慢慢由窄变宽的线，也就是达到低音大提琴、铜喇叭的最低音的线。不仅是宽度，而且在色调上，那给人以各种色彩感的线，也可以由各种乐器的各种音色来表现。而旋律本身也体现为线。

　　对艺术形式要素的不断深入探索，康定斯基逐渐走向成熟，在创作上迈入理性的构成时代，他说创作绘画正如音乐的作曲一样，要有感性的发挥，也要有理性的安排。他的作品也越来越显示他的丰富思想。《伴奏的中心》即表现了这种思想：华丽的大幅作品，强调中央的大形态，用明朗的色面组合成独特的形象，周围陪衬着许多小形态，中心与各部分的伴奏，全体合成浑然一体，充满音乐感。

　　康定斯基晚年的巅峰之作是《构成10号》。已明显不同于那幅水彩作品，此作画面结构复杂，气势庞大，暗褐色的底子上，各种华丽的色彩以各种形象呈现出来：大小不同的面，方向不同的线穿插交错，不同颜色的四角形的星点缀其中，整个画面活跃、跳动，有壮丽的交响诗的感觉，也达到了交响乐的性质。康定斯基在总结造型艺术时说：“伟大的造型艺术作品是交响乐曲，其中旋律的因素‘具有一种稀少的和附属的作用’，主要的因素是‘各个部分的平衡和系统的安排’。”在交响乐中，强调的是一种复杂的整体效果，主题被转变成千百种形式，它的节奏被完全分解，按片段重新组合，并充分展开。这众多的组合与展开，相互冲突、交差产生矛盾，局部矛盾得到解决，就得到局部的平衡，整体的矛盾冲突得到解决就体现了整体安排的系统性。我们从康定斯基的这幅《构成10号》中，就能很明确地体会他的这种“造型艺术——交响乐”的艺术主张，也论证了他写《点、线、面》的主旨。

　　在康定斯基的绘画中，从点到线，以及点和线组合的构成，与音乐中从单音到旋律以及它们的组合，这两者在外在性上是何等的相似，而内在性质又极一致。甚至现在普及的音乐上的图形表现——记谱法，不过是点和线的各种组合。基本上能够说，康定斯基以点线面为要素创作抽象绘画，不管外在性还是内在性上，主要的依据就是音乐，可以说，音乐是康定斯基绘画中的主题。如果从他的绘画中抽出音乐成分，不能说其价值无法存在，但至少仅流于一种拘于形式的装饰画。看康定斯基从早期到成熟期的作品就能够发现，其结构的发展过程，与音乐的从简单到复合结构的发展是完全一致的。