于振立：艺术家就是一个实验大师

1973年《欢迎哥哥姐姐下乡来》半开 招贴画（水粉） 1982年《涛声》油画 1987年《老桨》油画 1990年《生日手记》综合材料 66x80cm 2013年《绽放》之九 综合材料 90x90cm

　　9月29日，于振立大型个展《自逐》登场。这次展览梳理了于振立近40年的创作历程。于振立是一个在不断的变化和更新自己的艺术家，他的艺术经历为中国艺坛提供了一个典型的样本。他18岁便以“革命宣传画”蜚声中国，影响了当时全中国宣传画的画风，文革后，又开始了伤痕和乡土美术的创作，八十年代中期，在轰轰烈烈的八五新潮中，于振立开始了超现实主义系列。90年代末，他开始创作综合材料的抽象系列，开始抗拒城市，抗拒名利等浮华，并于1994年隐居于大连郊区大黑山，这一埋头就是18年。

　　作为这次展览的策展人，栗宪庭谈到了做这个展览的初衷，他说：“其实展览想表达的就是对现代生活和中国疯狂的城市化的一种自我放逐，或者是一种心里的拒绝，也是把艺术作为一个名利场的拒绝，回到他自己的状态。我1999年在美国的时候，发现很多当年非常有名的艺术家逃离了纽约。是不是人类的方式太累了，需要找一个放松的地方，或者重新反省自己走过的人生道路？”

　　同时栗宪庭也提到，这次展览同时也企图呈现特殊艺术家的一个样本，于振立从一个完全画政治宣传画到后来接受西方各种各样的艺术潮流，不断的变化，他个人的这种变化也可以说是中国这一代人的历史缩影，这是一个不停的变化，今是而昨非。中国的艺术也是不断的在尝试，不断的在寻找道路，就像我们借用邓小平的一句话“摸着石头过河”，我们的社会处在这样一个完全没有方向的、不知道怎么样的状态下，不停的在尝试，就像我们不停的在过一个河，不停的踩着石头，不停的在寻找，寻找我们的道路，不知道在什么地方。我们是通过这样一个方式呈现给大家去研究，研究中国的艺术，也研究中国的社会。

　　除了看到于振立的创作在中国艺术史的样本的意义，栗宪庭也说到了在这之外，自己衡量一个艺术家的重要标准——感觉。他说，我评价艺术一般是会和这个艺术家生活上有过很多接触了以后，所有的过去的关于艺术的一些价值体系都是对过去艺术的一个总结，只有一样东西是不会在这个框架和体系下变化的，就是你的感觉，所有的艺术是在不断的变化，你的感觉也在不断的变化，你对一个人的感觉、对这个社会的感觉是评价艺术的第一标准，此外，每个艺术都在一定的语言线索上工作，他在这个语言线索提出了哪些创造性的变化，这也是我会考虑的。

　　对于于振立的艺术创作，资深艺术评论人水天中则如此评价：于振立的“生日手记”和“点划系列”是由两种不同类型视觉元素构成的系列作品，“生日手记”系列中微茫的烟涛和果断有力的宽阔笔划构成两种不同节奏，不同速度的 运动，但它却统一在沉着淡雅的色彩和同一画面肌理之中。这使得于振立的作品具有包涵于宁静之中的冲动……应该承认于振立的这一批新作，确实将中国的抽象绘 画向前推进一步。

　　而对艺术家于振立本人来说，他在谈到自己的创作时用了非常朴素和直白的语言，在回答“为什么能在一个地方生活那么久？”的时候，于振立说：“就像写《瓦尔登湖》的那位作家，他在那里一住就住了一年半，一年半就能写出《瓦尔登湖》，作家触摸了那个环境，又发现了一种语言，那我为什么就不能这样呢？当然我做不了作家，我只能够给自己找到一个工作室，有一个能够睡好觉的地方就可以了。”

　　非常有趣的是，在18年“自我放逐”的过程中，于振立曾有一段做泥瓦匠的经历，这段经历也成了他艺术生活的一部分，对此他这样说：我从来都认为艺术就在生活里面，全部过程，你的任何行为都是在做艺术创作，我肯定会交朋友，我请你吃饭，我和你借一样东西我看你给不给，艺术家从来就是一个实验大师，实验过不去我还要给你算一卦能走多远。我跟生活之间从来就没中断过，只不过我有更多的自由、更多的睡觉时间，我自己的墙我可以让人钉钉子，等等。比如我自己打井，打井就需要农民，同样要接触老百姓。我买桃子、买苹果，有时候他们给我送一筐，就是这样，本来万物之间没有什么可以远离和不远离的，只不过价值观不一样，我只不过放弃了一种价值观——大家在那儿竞赛，我是观众，我在看你们。艺术不是竞赛，老子有一句话，“大知闲闲”，大智慧者是“闲闲”，成天在竞赛哪有思想？

　　这样的大白话，带着泥土的味道，从他那儿坦荡的传达了出来，对一个艺术家的了解是可以基于很多方面的，而于振立这位艺术家在各个不同的层面给了我们丰沛的感受，一个艺术家不止于他的作品，就像他所说，经历也是他艺术生活的一部分。好的艺术家就是一个实验大师，他接下来还会带来什么新的尝试，值得期待。